viernes, 27 de diciembre de 2013

Nos faltan ojos que filmen danza


Gene Kelly, un ireemplazable.
Coreografiaba y filmaba desde su cuerpo.Un cuerpo que pensaba en el lenguaje del movimiento.
En una academia de cine de Chicago dieron un curso de verano sobre el género "cine-dance" y la evolución que generó Gene Kelly al respecto.
Pero aquí en el sur del sur nos cuesta encontrar especialistas en el registro fílmico del movimiento bailado.
Y de eso hablamos en Radio de la Ciudad, el 27-12-13



Este el seminario que nos hubiera encantado cursar: http://www.kellimarshall.net/film/class-facets/

Aprovechemos que la Sylphide es liviana y llevemosla de gira!


El primer coliseo bonaerense ofreció sólo dos funciones de esta obra con música de Hermann Lovenskjold y coreografía de Mario Galizzi –basada en los originales de Bournonville y repuesta por Sabrina Streiff-.
Ojalá puedan reponerla en los escenarios del resto de la Provincia de Buenos Aires. Es una obra perfecta para llevar por los caminos.

Esto es lo que comentamos en Radio de la Ciudad, el 27-12-13


viernes, 20 de diciembre de 2013

El príncipe está triste

Federico Fernández y su príncipe doliente

Muy bueno
El Lago de los cisnes Ballet Estable del Teatro Colón
Coreografía: Sir Peter Wright y Galina Samsova.  Repositores Coreográficos: Desmond Kelly y Denis Bonner. Música: Piotr Ilich Tchaikovski. Diseño de Escenografía y Vestuario: Philip Prowse. Producción: Talleres del Teatro Colón. Duración: 2 horas 45 minutos

El Lago de los Cisnes es el ballet del período académico más evidente. Quienes hayan estudiado danza clásica podrán reconocer exactamente todos los pasos aprendidos en el contexto de clase. La versión de Wrigth y Samsova no se aleja de la construcción obsesiva de Petipa e Ivanov. Pero el eje está puesto en la redistribución del peso escénico.
Ya desde el programa de mano se sospecha que la reina de los cisnes se encuentra relegada a un segundo plano. 
Aquí el protagonista es el príncipe Sigfrido. Hay un cortejo fúnebre que pone en contexto su tristeza y lejanía permanentes – muy bien interpretadas por Federico Fernández -. Acaba de morir su padre y debe asumir un trono y un matrimonio heterosexual que no parecen interesarle.  
Esta versión fue estrenada a nivel mundial en 1981 por el Ballet de Birmimgham. Y desde entonces se ha presentado en muchos escenarios. Wright y Samsova llevaron a un límite algo que ya estaba en la creación original, pero con la suficiente sutileza como para pasar inadvertido para muchos ojos. 
La eterna confrontación entre el bien y el mal, personificados en Odette y Odile, son interpretados por la misma bailarina (Carla Vincelli en las funciones del 17-19-21-26 y 28, Nao Sakuma el 18-20 y 22 y Luana Brunetti el 27)
La Odette de Carla Vincelli, es convincente. Su técnica de brazos y de puntas evoca a ese cisne tantas veces visto, pero que nunca deja de asombrar.
La noche del estreno un apagón total en el foso de la orquesta obligó a la compañía a retomar sus pasos en el Pas de deux del segundo acto. A pesar del percance Fernández y Vincelli enternecieron con ese amor decimonónico condenado a la tragedia. 
El Pas de deux del Cisne Negro cautivó a la audiencia con su picardía. Y aunque a esta Odille no le faltan sonrisas, tal vez sí, un poco más de espesura y sensualidad.
Uno de los detalles poco habituales de esta puesta es el avance insospechado del rol de Benno, el íntimo amigo del príncipe Sigfrido. Maximiliano Iglesias tiene a su cargo la complicidad en los diálogos pantomímicos. Y es el sostén en el sentido literal, en la tragedia final del cuarto acto. Pero esto no le impide la ligereza de sus saltos ni la simpatía con la participa del Pas de Trois.
El Pas de Quatre del segundo acto, identificado popularmente como “la danza de los pequeños cisnes”, aquí no fue entregado a quienes hacen sus primeras armas en el escenario, sino a primeras bailarinas del Ballet Estable. Entre ellas se destaca la gracia y jovialidad de Natalia Pelayo, que también cubre los roles de la Princesa Napolitana y el Pas de Trois del primer acto.
El diseño de vestuario tiene un detalle menor, que fascinará a los grupos de defensa de los animales: ninguno de los trajes lleva plumas. Y lo más desacertado en lo escenográfico, es el escaso protagonismo del lago en sí: es apenas el dibujo de unas ondas tras las columnas. Y no recibe a los amantes tras un salto. Sus muertes se diluyen a ras del piso. Y en un momento donde existen demasiados puntos para enfocar. 
Vagram Ambartsoumian construye un malvado tan fascinante que su muerte se lleva todas las miradas, cuando sucede en simultáneo con la entrada del príncipe en las aguas. Y ese es quizás el único momento en que el heredero melancólico pasa fugazmente a segundo plano.
Además de la exigencia física de ser el único personaje que protagoniza los cuatro actos, esta versión no permite que el príncipe suelte el centro de la escena ni después de muerto. 
Este final, nada habitual, niega rotundamente el imaginario romántico de los amantes “juntos por la eternidad”.

Para agendar: funciones  20, 21, 26, 27 y 28 de diciembre a las 20:30 y domingo 22 de a las 17:00. Regresa en marzo del 2014 con cinco funciones a precios populares
Entradas desde 40 $. Descuentos del 90 % para docentes y alumnos de la UBA. 

La oscuridad del acto blanco



viernes, 6 de diciembre de 2013

Interiores


Andrea Castelli presenta la "instalación coreográfica " Enaguas, en el Museo Nacional del Traje, combinando la música y la moda a través de la danza.
Esto es lo que contamos en Radio Ciudad, el 06-12-13

sábado, 30 de noviembre de 2013

Rayuela de tiza y baile


Hasta el 5 de diciembre, se presenta en el teatro El Cubo “Rayuela o el juego de la vida”, la nueva obra de Analía González para la C.E.M. Compañía en Movimiento.
Antes de la función en el Festival de Danza Contemporánea del Haroldo Conti, contamos en Radio Ciudad, nuestros sentires al respecto.


miércoles, 20 de noviembre de 2013

Ensayo abierto a la red



Continuando con la política de abrir las puerta del ballet para todos los públicos, el Ballet del SODRE, dirigido por Julio Bocca, transmitirá en vivo por internet un ensayo de su próximo estreno. "Hamlet Ruso"

El miércoles 27 de noviembre de 13:30 a 15:30 se podrá captar a trevés del siguiente link: http://veramas.com.uy/ el tercer ensayo sobre el escenario del Auditorio Nacional Adela Reta.

Esta transmisión a través de Adinet TV, especialmente dirigida a alumnos y maestros de escuelas de ballet, talleres de danza e interesados en las artes del espectáculo, será conducida por Lucía Chilibroste, periodista uruguaya, especializada en historia de la danza.

Desde que empezaron esta nueva producción integral, han salido a contarlo a los cuatro vientos. Hace varias semanas está disponible en youtube este video que espía el momento de aprendizaje de algunos de los roles.



Acerca del Hamlet Ruso

La Coreografía de Boris Eifman, sobre música de Beethoven y Mahler sitúa la acción en la Rusia de mediados del siglo XVIII, cuando Catalina la grande trama un golpe de estado contra su marido el "violento, ebrio y disoluto Zar Pedro III".
El drama se centra en el hecho traumático de que el asesinato sea presenciado por el heredero al trono, aún siendo niño.



viernes, 15 de noviembre de 2013

Una Cenicienta con vida propia

Igor Gopkalo y Nadia Muzyca

El coreógrafo Renato Zanella fue invitado por el Teatro Colón para contar una vez más La Cenicienta, pero de un modo muy diferente.
Esto es lo que hablamos en Radio Ciudad, el 15-11-13





Fotos: Máximo Parpagnoli

La Patria, también, es la que danza


La Compañía Nacional de Danza Contemporánea, presenta La Patriótica, una obra de danza moderna, basada en textos de Leopoldo Marechal.
Esto es lo que contamos en Radio Ciudad, el 15-11-13

lunes, 4 de noviembre de 2013

Noche de los Museos 2013 - Algunas propuestas para ver danza

Palermo

  • Unión de los Polacos en la República Argentina -La Casa Polaca-  Jorge Luis Borges 2076 - 

23.00 hs   Ballet de la Casa Polaca Nasz Balet

Puerto Madero

  • Dirección General de Museos – Ex Cervecería Munich  Avenida de los Italianos 851 - 

21.30 hs Grupo de danzas alemanas Heimatland


  • Museo de Calcos y Escultura Comparada Ernesto de la Cárcova (IUNA) -

Elvira Rawson de Delepianne y Av. España
20.30 hs Danzas folklóricas y tango. Alumnos del Área Transdepartamental de Folklore.
21.00 hs  Opuestos. Hip Hop & danzas urbanas.
21.30 hs  Intervención de danza en los jardines del museo

San Telmo

  • Museo de la Emigración Gallega en la Argentina  - San Telmo  Chacabuco 947 

22.30 Grupo de Gaitas y Baile Gallego. Grupo de Gaitas Dúas Beiras  y Grupo de Baile de la Federación de Asociaciones Gallegas de la República Argentina y Grupo UNO.


  • Museo Etnográfico Juan B. Ambrosetti -  Moreno 350 

22.30/00.00  Danzas clásicas del sur de la India

Recoleta

  • Museo y Archivo Histórico de la Facultad de Derecho - UBA - Av. Figueroa Alcorta 2263

23.00 Potpurrí: Casta Diva 15 años. Grupo de Danza Contemporánea- Dirección Mónica Fracchia.

Balvanera

  • Sociedad Hebraica Argentina  Sarmiento 2233 

20.30 Danzas Folklóricas Israelíes Masmeret
21.30 Danzas Judeo Argentinas Darkeinu

La Boca

  • Teatro de La Ribera   Av. Pedro de Mendoza 1821 

22.00  Perfomance del Taller de Danza del Teatro San Martín. Dirección de Norma Binaghi.


Consultar la programación completa aquí:  http://www.lanochedelosmuseos.gob.ar/programacion.html

viernes, 1 de noviembre de 2013

Un piso para Chakatá

Foto: Daiana Valencia

Chakatá compañía argentin de tap, generó una campaña de financiamiento colectivo en Idea.me. Quieren solventar la construcción de un piso especial para zapatear, que pueda ser desmontable y viajero.
Hablamos con Rosario Ruete para conocer algunos detalles de la campaña, el 01-11-13


Pueden sumarse a la campaña a través de este link: http://idea.me/proyectos/12047/un-piso-para-chakata


lunes, 28 de octubre de 2013

Una oferta imperdible


Del mismo modo que se hace en muchos grandes teatros del mundo, el Colón abre sus puertas a la comunidad universitaria.
Desde hoy y hasta fin de año, se podrán conseguir localidades con 90 % de descuento en las funciones de ópera y ballet.
Las localidades serán para uso exclusivo de alumnos, docentes y administrativos de la Universidad de Buenos Aires, que acrediten tal condición ante la boletería del Teatro, mediante la presentación de su DNI y libreta o credencial universitaria vigente, en el primer caso o último recibo de sueldo, en el segundo.
El Teatro Colón pondrá a disposición de la Universidad de Buenos Aires, 48 horas antes de cada presentación definida, un cupo de 100 (cien) localidades con un 90% de descuento en las siguientes funciones de ballet: programadas: La Cenicienta en las funciones del 9, 10, 13, 14 y 15 de noviembre. Y para El Lago de los Cisnes en las funciones del 18, 19, 20,21, 26, 27 y 28 de diciembre del 2013.
Por ahora son solamente en estas funciones, para estas obras y en estas cantidades.
Pero no puedo evitar la ilusión de pensar que si la demanda llega a tope, por fin se den cuenta de que hay que hacerlo para siempre, en todas las funciones.
Difundamos todos, usemos esas butacas disponibles.
Y pidamos más.


Esto es lo que contamos en Radio Ciudad, el 01-11-13






viernes, 25 de octubre de 2013

Teatro Colón: anticipo de la temporada 2014

Baile de Graduados y Rodin 
- dos de las propuestas del Ballet estable del Teatro Colón, para la temporada 2014  -

Se presentó la programación anual del Teatro Colón. No puedo evitar tener una mirada crítica pero con expectativas. Esto es lo que comentamos en la radio el 25-10-13

viernes, 18 de octubre de 2013

Acciones por la Danza

Laura Kalauz y Alina Folini, del Foro Danza en Acción, en primer plano 

Antes de la Conferencia Colectiva "La danza del futuro", en el FIBA 2013, hablamos sobre las acciones del Foro, de la Ley Nacional de Danza y por supuesto, del futuro de la danza.




jueves, 10 de octubre de 2013

Para que nadie se quede afuera

Foto: Fabián Marelli

Julio Bocca se despidió de los escenarios bailando sobre la avenida más ancha del mundo. No era la primera vez que sacaba la danza a las calles. Ni tampoco fue la última.

Desde 2010 dirige el Ballet Nacional de Uruguay. Y desde allí continúa acortando las distancias. Anteanoche acercó su trabajo hasta el Teatro Colón en una gala única. Y lo vivió como un gran desafío.

"La vuelta al Colón es maravillosa. Estoy nervioso porque es la primera vez que viene el Ballet del Sodre, pero también porque implica mostrarle a mi público de siempre qué es lo que estoy haciendo desde hace tres años", confesaba Julio Bocca antes de la función.

El Ballet Nacional de Uruguay fue creado en 1935 como el Cuerpo de Baile del Servicio Oficial de Difusión Radio Eléctrica. En este momento está compuesto por sesenta y cinco bailarines provenientes de distintos países; nueve de ellos, argentinos.

Desde que Bocca dirige la compañía se han estrenado más de veinte piezas, entre las versiones integrales de grandes ballets clásicos, obras paradigmáticas del repertorio contemporáneo y moderno, y algunas especialmente creadas por Martín Inthamoussu y Ana María Stekelman, entre otros coreógrafos.

FENÓMENO DE MASAS

"A mí siempre me importó que el ballet llegue a todos. Con Lino Patalano y Eleonora [Cassano] hicimos mucho para que la danza sea popular. Por eso la butaca más barata sale menos que una entrada al cine. Y siempre tenemos la sala llena", advertía Bocca. La casa del Ballet del Sodre es el Auditorio Adela Reta, que tiene una capacidad de dos mil localidades. Y en ese espíritu de incluir a todos los públicos se reservan lugares para alumnos de escuela rurales y de zonas de bajos recursos. Para que nadie se quede afuera.

Pero además, desde el inicio de la gestión del bailarín, todas las obras tienen un ciclo de diez funciones. Además de permitir el boca a boca y la cobertura de los medios de comunicación, es atractivo para la compañía en sí, ya que da la posibilidad de tener tres o cuatro repartos para cada pieza. "Eso permite que cada uno llegue a desarrollar su personaje. Y que podamos aprovechar mucho más cada producción."

Además, desde este año, y paulatinamente, el Sodre está recuperando sus talleres de producción escénica: "Buscamos que los telones se pinten en el teatro, lo mismo que el vestuario. La idea es generar todo eso que en una época había y se perdió".

La última producción de El lago de los cisnes que realizó el Sodre fue filmada en HD y transmitida por televisión e Internet, y también se proyectó en pantalla gigante frente a la intendencia de Montevideo, donde suelen pasarse los partidos de la selección uruguaya.

-Cuando eras chico sabías que querías ser bailarín, que querías ir a Moscú. ¿Alguna vez te pensaste como director?

-La verdad, no. Aunque recuerdo que de chico me gustaba jugar con el sello de mi mamá, mientras la esperaba en su escritorio. Me divertía el papeleo. Y mi trabajo actual tiene mucho de eso. De cuestiones de organización de giras, de planificar cada semana de trabajo. Pero, sobre todo, dirigir es transmitir, enseñar valores para que no sólo sean buenos en la técnica: también quiero que sean buenos partenaires, buenos artistas, buenos compañeros. Que esto es una parte de la vida, pero que hay otra que ellos tienen que buscar y elaborar, para no quedarse sin nada en el momento del retiro.

-¿Extrañás bailar?

-La verdad que no. Amo esta carrera y la voy a seguir amando, pero no se me pasa por la cabeza volver a un escenario. Por lo menos por ahora. De todos modos, no me quedo quieto. Todos los días hago la clase de entrenamiento con la compañía, y trabajo sobre todo los detalles de interpretación. Aunque me gustaría tener un poco más de tiempo para hacer eso.

-¿Te interesa que la compañía sea reconocida por su nivel de interpretación?

-Me interesa todo. Me obsesiono con todo. En eso soy terrible... Para mí siempre sigue estando mal... Pero recién llegamos de los Emiratos Árabes y allí salieron muy buenas críticas. Decían que esta compañía, además de tener calidad de trabajo, se destacaba por la alegría y el entusiasmo que tenía en el escenario.

-¿El público del Colón es difícil?

-No, el teatro en sí es difícil. El escenario es imponente.

-¿Lo sentís como tu casa?

-Sí, ahora más que antes. Son diferentes momentos de la vida, uno va cambiando y va creciendo. El Colón ya es parte de mí.

Volver, con la frente bien alta


Ballet Nacional del SODRE / Dirección: Julio Bocca / Coreografías: William Forsythe, Anne Marie Holmes, Nacho Duato y Jirí Kylián / Música: Thom Willems, Adolphe Adam, Franz Schubert y Leos Janácek. Vestuario: Producción BNS - Auditorio Nacional / Sala: Teatro Colón / Nuestra opinón:excelente

El Ballet Nacional del Sodre, dirigido por Julio Bocca, cruzó por primera vez el Río de la Plata hacia el escenario del Teatro Colón.

Un programa sintético de cuatro obras fue suficiente para mostrar el trabajo de los últimos tres años y en ese ejercicio de "curaduría" se nota la mano de Bocca encontrando lo mejor de cada estilo. Excepto por el pas de deux absolutamente clásico y exclusivo para dos, el resto del programa reúne obras que trabajan con sucesiones de dúos, tríos y conjuntos rotativos que permiten el lucimiento individual y la armonía grupal.

In the Middle Somewhat Elevated ya tiene más de un cuarto de siglo dando vueltas por el mundo, pero sigue inoxidable. Más cercana al lenguaje del repertorio neoclásico -por la sólida relación entre el argumento abstracto y la técnica de puntas-, esta creación de Forsythe expone sobre el escenario tanto el entrenamiento físico y aeróbico, como la precisión y la limpieza de los movimientos de los que son capaces los bailarines. Los veintiséis minutos de música de Thom Willems se vuelven un poco ásperos, ya que se trata de un loop industrial, donde ningún instrumento en especial puede distinguirse del fondo.

Todo lo contrario sucede con la música elegida por Nacho Duato para Without Words . Tiene la duración exacta para que ocho bailarines brillen en la penumbra, arrullados por Franz Schubert desde un piano y un chelo.

El poco transitado "Pas de deux de l'esclave" merece un capítulo aparte. Este fragmento del primer acto del El corsario lleva la marca de Petipa en el orillo y desarrolla todos los elementos esperables. Ojalá este hallazgo de Bocca fuera imitado en otras galas internacionales, que suelen insistir en las mismas coreografías tantas veces visitadas. Allí pasan al frente, con gran dominio técnico, María Noel Ricetto y Ciro Tamayo.

Ahora que los talleres de producción de vestuario del Auditorio Nacional Adela Reta se pusieron a andar, se lucen la perfecta confección de los dos trajes, sencillos, pero con todos los elementos de bordados y brillos necesarios. Y si se habla de brillar, es inevitable subrayar la acertada elección de Tamayo para el rol. El jovencísimo bailarín español salta sin esfuerzo y con mucha gracia. Tamayo arranca aplausos espontáneos durante su variación, demostrando que además de ser liviano como una pluma, puede ser un bailarín de carácter.

La segunda parte del programa estuvo íntegramente dedicada a otro clásico del repertorio contemporáneo mundial: Sinfonietta , la creación de Ji?í Kylián que próximamente cumplirá 40 años en los pies de tantas y diversas compañías de danza. La música de Janácek está construida sobre allegrettos y andantes llenos de vientos y bronces varios. Y esto es lo que convoca a otra energía, más juvenil y risueña, dando pie al saludo final de toda la compañía. Y el de su director. Entonces el Colón se viene abajo.

En todos los niveles del teatro se escucha la incondicionalidad de los aplausos. Julio Bocca regresa a su primera casa mostrando la excelencia de siempre, sólo que en un nuevo rol. El Ballet del Sodre es una compañía hecha a escala humana, pero con un impresionante nivel de técnica y de expresividad.

No podría haber quedado en mejores manos.

Nota Publicada en La Nación el 10-10-13  http://www.lanacion.com.ar/1627496-con-su-marca-en-el-orillo

jueves, 3 de octubre de 2013

Y un día, nos vimos


La primera vez que nos vimos, él estaba agonizando.
En medio de un duelo entre Montescos y Capuletos, Mercucio moría hermosamente, recordándonos una vez más la fragilidad de la vida y el valor de la amistad.
Todavía no había llegado Moscú, ni la fama, ni la danza en las grandes avenidas. Pero ya se despegaba claramente de todos los demás.
Sé que es preciso explicar por qué digo que “nos vimos”, si yo estaba colgada de la última butaca del gallinero. Y él, moría allí, tan lejos.
Pero tan cerca.
Toda su carrera se trató de eso: acercar. Acortar las distancias.
Sacar la danza a la calle. Meterla en los medios. Llevar a Piazzolla en los pies. Traernos el cielo en cada salto.
Ese cuerpo inquieto al que sólo lo frenó una rodilla en disidencia, hoy sigue acercando la belleza del movimiento a todos y todas los que la quieran ver.
Porque ya no se trata de poder. Poder, podemos todos.
El gran estratega de la danza, ahora transmite los backstages por televisión. Abre la casa tantas funciones como hagan falta para que no se quede nadie afuera. Mete a la compañía dentro de las aulas de las escuelas públicas. Trae la gente en trenes de las puntas más lejanas del paisito.
Hoy nos vimos cara a cara por primera vez.
La charla fue relajada y profunda. El sonrió y recibió todas las preguntas con interés y amabilidad.
Ya escribiré mañana una nota más profesional y menos emocionada.
Pero hoy no podía dejar de contarles este enorme e importante paso que dí – y que oculté rabiosamente, por cábala.
Gracias a todos por aguantarme.



Foto: Fabián Marelli

viernes, 27 de septiembre de 2013

Las grandes preguntas de la humanidad


Como parte de una gira por América del Sur, la compañía  de danza moderna de Alvin Ailey pasó nuevamente por Buenos Aires.
Yo los vi, de pequeña en el Teatro Colón. Fue hermoso volvernos a encontrar en este recodo del camino.




Columna en radio de la ciudad 27-09-13

El Flamenco apropiado

Antes de la última función del ciclo 2013 del Preludio Flamenco, comentamos esta experiencia de cruce que tan sólidamente se viene haciendo en El Sábato



Columna de danza  en radio de la ciudad 27-09-13

viernes, 20 de septiembre de 2013

Bailando a Borges


El cuento "La intrusa" de Jorge Luis Borges, bailado en el Rojas. Esto fue lo que contamos en la Radio de la Ciudad el 20-09-13

 

Un cuerpo de baile absolutamente humano

´

Ballet del Teatro Argentino / Programa: Don Quijote, La bayadera y El guía / Dirección: Mario Silva / Coreografía y reposición: Claudia Pontoriero y Mario Silva / Orquesta Estable, dirigida por Darío Domínguez Xodo / Vestuario: Fabiana Yalet / Iluminación: Maximiliano Troncozo

El primer coliseo bonaerense ofrece un programa sintético y prolijo, que mezcla dos piezas del binomio Minkus-Petipa y una propuesta más neoclásica, sobre el Bolero de Ravel, revisitado por Mario Silva.

Además del lucimiento de las producciones escénicas provenientes de los talleres del teatro, este programa cuenta con la valiosísima participación de la Orquesta Estable, dirigida por Darío Domínguez Xodo. La comunicación entre la orquesta y el ballet se ve claramente favorecida por la escasa diferencia de altura entre el foso y el escenario. Pero va más allá, Domínguez Xodo espera a los bailarines para empezar las variaciones y sostiene el suspenso en cada levantada.

Claudia Pontoriero realizó una reposición sintética de Don Quijote , que retoma la coreografía de Petipa, dejando fuera los pasajes que incluyen al Caballero de la Mancha, para ganar tanto en acción como en piruetas. Bautista Parada dota a su Basilio de la firmeza necesaria para que la Kitri de Julieta Paul pueda volar y sonreír con todo el cuerpo.

La segunda parte del programa está compuesta por el pas d'action de La bayadera , cuya música, también de Minkus, es menos pegadiza y recordable que la de Don Quijote. Y aunque también es ejecutada con gran calidad por la orquesta en vivo, el argumento con intrigas queda perdido en el recorte, y las referencias a la cultura de la India nos resultan más lejanas, por lo que la empatía con el público es visiblemente menor.

Cierra el programa una propuesta más tribal, con 34 bailarines en escena, donde se luce el diseño de iluminación de Maximiliano Troncozo. El guía es una coreografía de Mario Silva sobre el Bolero de Ravel, cuyo germen se encuentra en una producción presentada y premiada en la ciudad de Hannover en 1993. En esta versión para el Ballet que dirige, el rol de solista está en las manos de Alejandra Baldoni (en las funciones del 15 y 20) y de Aldana Bidegaray en las dos restantes.

Se trata de una apuesta más abstracta, en contraste con las piezas de narrativa clásica. Si bien Silva considera haberse distanciado de las coreografías de otros autores para esta partitura, es inevitable recordar la producción de Bejart para el ojo de la cámara en Los unos y los otros, donde la danza era más totémica y panorámica.

Aquí el cuerpo de baile, lejos de las puntas, se ve menos estresado que en las piezas anteriores del programa.

En síntesis, es probable que los fanáticos de la técnica puedan advertir imprecisiones en los pasos y una que otra ralentización, más evidentes en las coreografías tantas veces vistas. Pero ello no opaca el disfrute de la propuesta tan armoniosa a nivel producción integral. El Ballet Estable del Teatro Argentino de La Plata tiene una diversidad de cuerpos poco habitual en la danza clásica, a menudo obsesionada con la perfección.

Este es un cuerpo de baile absolutamente humano.

Nota publicada en La Nación el 20-09-13

viernes, 13 de septiembre de 2013

Sobre las puntas de la angustia


Lub Dub, la nueva propuesta de Roxana Grinstein que se está presentando en El Portón de Sánchez.
Esta es la columna en Radio de la Ciudad, del 13-09-13




Esta es la nota publicada en La Nación el 5-10-13

Nosotros nunca aprendimos a respirar. Tampoco tuvimos que entrenar a nuestro corazón para que haga su trabajo. Lo hacemos inconscientemente. Si tuviéramos que pensar cada vez que respiramos, seguramente surgiría la angustia.

Los aprendizajes mecánicos nos deshumanizan. Allí donde sólo hay repetición y no hay espacio para la creatividad, nos volvemos autómatas.

La banda de sonido de Lub Dub está compuesta por una música incidental de Martín Ferrés y sus intervenciones sobre antiguas grabaciones de Juan Pestañas, un clásico del aprendizaje no-formal de las matemáticas. Varias generaciones de niños y niñas de América latina han reforzado su aprendizaje escolarizado de las tablas de multiplicar, con esta odiosa y repetitiva musiquita.

Roxana Grinstein recupera las zapatillas de punta para la danza contemporánea y sus intérpretes poseen la técnica necesaria para manejarse con habilidad en algo tan poco orgánico como apoyar todo el cuerpo en las puntas de los dedos de los pies. Los personajes no parecen cuestionarse qué están haciendo ahí arriba. Pero hay que estar.

Muchas veces estamos en lugares de los que nos gustaría huir. Nuestra vida cotidiana también está poblada de pequeños ultrajes. A veces llegamos a notarlo, como cuando tenemos que suspender eso que nos hace humanos, por ejemplo, respirar. La coreografía acumula movimientos, así como la banda de sonido, números multiplicados. Y va surgiendo un código de lectura, como si fuera un alfabeto de pasos, que se corresponden con cada una de las tablas.

Y se acumula angustia.

El nombre del espectáculo alude al sonido del latido del corazón, que incluye dos ruidos cardíacos; y dos bailarinas, a veces, sobre un único par de puntas. El reparto del peso escénico es muy desigual. Hay que destacar la tarea de Carla Rímola cuya parte de la coreografía no solamente es infinitamente más implacable a nivel físico, sino también a nivel interpretativo. Julia Gómez acompaña, sin la exigencia del seguidor sobre sus pies.

Se trata de una obra con muchas metáforas, pero de fácil lectura. Sin necesidad de subtitulados ni traducciones. Y sin arritmia.

http://www.lanacion.com.ar/1625988-sin-arritmias

Fragmentos de una melodía en Rojo

Comparto aquí algunos pasajes de una interesante conversación con Tamara Rojo.
Hoy dirige el English National Ballet, pero ya varios años atrás empezó a formarse para ese rol. Estudió una Licenciatura en Danza. Y un Master en Artes Escénicas

Acompañó a Julio Bocca en algunos escenarios  de distintos lugares del mundo. Y hoy sigue su trayectoria como director del Ballet del SODRE. ¿Hay un estilo generacional de dirigir compañías estatales de ballet?



Su futuro personal y el futuro de la danza.



miércoles, 11 de septiembre de 2013

"Esta es la gente del futuro"

Foto de Emiliano Lasalvia

Tamara Rojo nació en Montreal, Canadá, en una familia de migrantes españoles. Se formó como bailarina en Madrid y hace más de quince años que vive y baila en el Reino Unido. Desde el año pasado es la directora del English National Ballet. "Haber nacido en una familia de migrantes me enseñó que uno no se debe aferrar a la tierra. Siempre sentí que hay que seguir los sueños, ocurran donde ocurran." La compañía que dirigirá por los próximos cuatro años fue creada en 1950 para llevar la danza clásica a todas las regiones del Reino Unido. "Intentamos llegar a un público muy ecléctico. Cada año tenemos miles de entradas a 10 libras, un precio inferior al de una entrada de cine. Somos conscientes de que hacemos una labor educativa", sostiene.

Esa labor ha dado sus frutos, ya que, según algunas investigaciones británicas, el público de la danza ha crecido en estos 10 años. Hablan del "efecto Billy Elliot " y la influencia del teatro musical y los realities de danza por TV. "Algunos dicen que el público del ballet está muriendo. Pero en las sociedades europeas, el público es cada vez más activo", dice.

Es habitual que, al retirarse, los bailarines clásicos se dediquen a dirigir compañías de ballet. No es el caso de Rojo, que planea dejar el escenario sólo dentro de cinco años. Cuando detalla su repertorio como bailarina, se puede ver la cantidad de producciones neoclásicas del siglo XX y el XXI. Y está virando el repertorio de la compañía que comanda hacia allí. "El primer programa que diseñé fue con Jiri Kylian y Roland Petit. Y tenemos planeado trabajar algo de Liam Scarlett, de Russell Maliphant, de William Forsythe. No es que no me interesen los clásicos. Pero no quiero hacer una compañía que sólo mire hacia el pasado."

TALENTOS DEL MUNDO

La presentación de Rojo en el Teatro Colón se da en el marco de una gala compuesta por una serie de p as de deux a cargo de talentos de diversos teatros del mundo, y una segunda parte sostenida por el Ballet Estable del teatro, con coreografía de Lidia Segni y música de Astor Piazzolla.

La primera parte tendrá coreografías de George Balanchine, Alonzo King y Frederick Ashton, así como clásicos de Marius Petipa: La b ella d urmiente, Don Quijote y El c isne n egro. "Lo más interesante de estas galas internacionales es que sirven para ver qué está haciendo otra gente en otros sitios. Es un momento de aprendizaje. Siempre me quedo al costado del escenario viendo qué bailan los demás. Porque puedes ver lo mejor del mundo entero y eso es siempre interesante, para mí y para el público", señala.

Su participación en el espectáculo se compone de dos piezas muy diferentes entre sí: Raymonda , de Alexander Glazunov, e Isadora , con coreografía de Frederick Ashton.

El pas de deux de Raymonda que se verá esta noche es la versión de la coreógrafa cubana Loipa Araujo, directora adjunta del English National Ballet. "Es muy clásico, con un estilo muy ruso, con mucha técnica. Creo que es fácil de ver", opina Rojo. La coreografía de Frederick Ashton está montada sobre cinco valses de Brahms, para ser bailados "en el estilo de Isadora Duncan". Fue Lidia Segni en persona quien decidió incluir esta obra en el programa. "Es una pieza más complicada, porque realmente no hay técnica. Está hecha sólo de emociones y musicalidad. Tengo la reputación de tener una técnica muy fuerte, pero esto es pura poesía. Hay que dejarse soñar."

Nota publicada en La Nación el 11-09-13
http://www.lanacion.com.ar/1618689-no-quiero-hacer-una-compania-que-solo-mire-hacia-el-pasado

sábado, 7 de septiembre de 2013

Una embajada rusa en puntas de pie

                                                      Yulia Makhalina, especialista en cisnes

Este es el comentario en la Radio, después de la Gala de Ballet Ruso del 31-08-13

viernes, 6 de septiembre de 2013

Sostenida por el abrazo de todo un teatro


La primera bailarina Silvina Perillo se despide de los escenarios interpretando a Kitri, protagonista de "Don Quijote", una vez más.
Aquí compartimos la nota en Radio de la Ciudad, el 6-09-13

lunes, 2 de septiembre de 2013

Al gran jugador


Carlos Morel, Soledad Mallo y Juan Carlos Copes. La historia del tango sobre la mesa

Es habitual que en cada una de las ediciones del Festival y Mundial de Tango de la ciudad de Buenos Aires se homenajee a alguno de los próceres del tango como danza de espectáculo. Este año llegó el turno de Juan Carlos Copes y decidió recibir el afecto del público revisitando La pesada del t ango, una puesta integral de baile y canto, que creó junto con María Nieves en 1991.

Se trata de un recorrido histórico del género, que subraya las marchas y contramarchas que sufrió en su primer siglo de vida. El diálogo en una mesa de café se intercala con los números musicales y los bailados. Así surgen los ejemplos de "los palos en la rueda que le pusieron al tango", como la prohibición de las letras en lunfardo o del baile con cortes en los salones.

Sin escapar del trillado tránsito portuario-prostibulario-parisino de los orígenes tangueros, las parejas de bailarines cubren su rol con eficacia y la cuota de sorpresas esperables.

Hasta que la danza entre varones toma el formato de un duelo de cuchillos. Y la música se escapa del cliché y entra Piazzolla. Y Soledad Rivero, herida fatalmente en la refriega, agoniza bellamente, mientras baila con la muerte, en la piel de Johana Copes.

Otro momento alto sucede cuando Roxana Fontán recuerda a Nelly Omar, con una potente versión a capella de "Malena". Lástima el murmullo incesante proveniente de la pista de milonga y de la feria de productos de indumentaria.

Se vuelve imprescindible la participación de Carlos Morel, que canta solo y en dúo, se acompaña con la guitarra y con el bandoneón, dice su parte de la letra con gracia y fluidez, e incluso salva los problemas técnicos de su micrófono, como si nada hubiera pasado.

El público, incondicional, perdona todos los errores de sonido e iluminación -que son muchos. Y hasta algunos tropiezos del libreto. Y festeja a viva voz todos los trucos. Copes está visiblemente emocionado y baila pocos números, pero con una gracia innegable. Con 82 años de vida y casi los mismos de baile, distribuye con inteligencia las exigencias y expectativas. Los trucos de altura y de velocidad los hace el resto del elenco. De Copes, se espera -y se aplaude con entusiasmo- una elegante caminata a doble tiempo, un arriesgado pero estable giro sobre un solo pie.

Juan Carlos Copes es considerado uno de los revolucionarios del tango-danza. Así lo reconoce Miguel Ángel Zotto desde un abrazo emocionado, y lo atestiguan las fotos y filmaciones proyectadas en la pantalla de fondo.

Cuando el tango sufrió una retirada con la llegada del rock y la TV, allí estuvo Copes para poner el cuerpo. Y nunca perdió el paso.

Nota publicada en La Nación, el 02-09-13

http://www.lanacion.com.ar/1615913-copes-el-gran-maestro

martes, 27 de agosto de 2013

Golondrinas luminosas

Proyecto Golondrinas se estuvo presentando en la Casa de la Música, junto a la Compañía Nacional de Danza Contemporánea y en el Sábato.
Aquí esta el audio que intentó seguir ese vuelo



viernes, 23 de agosto de 2013

sábado, 17 de agosto de 2013

Esos bailes que fui a buscar

Calle de Teatro, en la Ciudad de San Petersburgo. 
El número 1 corresponde al Teatro Mariinsky, que está allí desde 1860

Interiores del Teatro Mariinsky representados en el diorama que se encuentra junto a la boletería

  Interiores del Teatro Mariinsky II, inaugurado en mayo del 2012

Kalinka, grupo de danzas tradicionales, en la ciudad de Novgorod

Saludo final del Show del ballet Nacional Folklórico "Kostroma" en el Hotel Cosmos, de Moscú

Este fue el comentario que hicimos en la radio:


(las aves mueren, el arte no)


viernes, 26 de julio de 2013

Salir en vacaciones, entrar a la danza

Algunas propuestas para todas las familias durante las vacaciones de invierno.


Andrea Servera creó un homenaje a Stravinsky en el Centro de Experimentación de Teatro Colón.
Esto fue lo que contamos en la radio:



Y en el teatro de Tecnópolis, Zamba, el personaje del Canal Paka Paka, presentó su asombroso musical


Aquí nuestro entusiasta comentario:



jueves, 4 de julio de 2013

Protegiendo espectadores

Buscando información sobre espectáculos de danza en otros teatros del mundo me fui cruzando con diversos estilos de recomendaciones para padres y madres.
En el caso del Adrienne Arsht Center de Miami, cuando se referían al espectáculo 8cho de Brenda Angiel, lo recomendaron para mayores de  13 años, aclarando que se trataba de una obra que incluía "desnudo parcial".
El texto estandar que se despliega al hacer clic sobre esa recomendación advierte que se trata sólo de un consejo: "usted es el experto en decidir que pueden ver sus hijos y sabe cómo acompañarlos mejor para que disfruten de la experiencia teatral".


En otro estilo, más legalista, el Teatro Mariinsky de San Patersburgo, advierte que la puesta de Carmen Suite está aconsejada para mayores de 12 años. Pero no detalla las razones que la motivan, sólo replica el párrafo de una ley de la Federación Rusa acerca de los contenidos de internet  "sobre la protección a los niños acerca de la información que puede ser perjudicial para su salud y desarrollo".



Personalmente, prefiero un estilo de recomendación que explique lo más explícitamente sus razones. No sólo para proteger el desarrollo de niños y niñas. También para que podamos elegir los adultos.

domingo, 30 de junio de 2013

Nicolai, solista en Viena, delantero en la canchita


Nicolai Gorodiskii frente al Teatro Bolshoi, en los días del Concurso














Es fanático de Messi y de Riquelme, y cuando juega al fútbol lo hace de delantero. Si bien tiene mucho de argentino, habla castellano como el más porteño y disfruta de firuletear con el tango, Nicolai Gorodiskii es ucraniano y bailarín clásico, eso sí, formado en el Instituto Superior de Arte del Colón (ISA). Con las presentaciones del caso, podemos contar que este joven intérprete acaba de ganar la medalla de bronce en la categoría Solista Junior del Concurso Internacional de Ballet de Moscú, el mismo que lanzó al estrellato, en 1985, a Julio Bocca.

Nicolai nació en Ucrania, en 1995, a pocos kilómetros de Chernobyl. La contaminación radiactiva persistente había complicado duramente el embarazo de su madre. De modo que sus padres, médicos, decidieron emigrar a la Argentina, huyendo del fantasma de una leucemia futura, cuando Nicolai tenía poco más de un año.

Vivieron los primeros cuatro años en la casa de la comunidad ucraniana de Floresta. Toda la familia en la misma habitación y compartiendo baño y cocina con cinco familias. "La primera bañera de Nicolai fue un balde de pintura de 20 litros que encontramos en la calle", recuerda Lilia, su mamá.

Los padres de Nicolai sólo bailaban danzas de salón y las típicas ucranianas. Pero la cultura de ballet en la URSS era inculcada fuertemente desde muy chicos. Por lo que les resultó natural que además de los múltiples deportes que practicaba, a Nicolai le gustara bailar.

Empezó practicando folklore en su escuela de Balvanera. Hasta que el profesor le vio condiciones para la clásica y lo alentó a presentarse en el ISA. A pesar de la férrea oposición de su papá, que imaginaba para él un futuro como profesional, entró al Colón a los 11 años. Desde entonces, baila incansablemente.

Y esa confianza ante cada nuevo desafío lo fue llevando a diversos concursos que le permitieron llegar a nuevos escenarios. Dos medallas de oro en el concurso Danzamérica de Carlos Paz le permitieron concursar en Pekín bailando una milonga. Así consiguió la beca para formarse en la Ópera Estatal de Viena, donde se encuentra desde hace tres años. Y el año pasado también obtuvo una medalla de oro en el Concurso Internacional de Ballet de Praga.

Para la primera ronda, además de Coppelia , debía presentar una "danza de carácter". Tuvo la intención de hacer algo de tango, pero no pudo financiar el viaje desde Buenos Aires de su maestro del Colón, por lo que decidió preparar algo de Gopak, una danza ucraniana de cosacos, en la que se pueden lucir los solistas.

Cuando superaba una nueva ronda clasificatoria le avisaba a su madre por Facebook, quien desde Buenos Aires seguía el concurso a través de la web de Novosti, la agencia de noticias rusa, soñando con verlo bailar un día en el mismísimo Teatro Colón.

Nota publicada el 30-06-13

http://www.lanacion.com.ar/1596746-un-ucraniano-tras-los-pasos-de-bocca

sábado, 29 de junio de 2013

Esa mujer


Edgardo Trabalón y Nadia Muzyca en la Carmen de Wainrot

Mauricio Wainrot creó en 2007 una versión de Carmen para el Royal Winnipeg Ballet de Canadá, reelaborando el guión de la ópera de Bizet. Junto a Luis Gorelik, al frente de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires, seleccionaron las diferentes obras que musicalizan esta Carmen que ya conmovió el escenario del Teatro Colón en 2012.

Durante cuatro funciones, el Ballet Estable del Teatro Colón desplegará un reparto numeroso que incluye grupos de soldados, cigarreras y gitanos, suma a la madre de Don José y le da más cuerpo al rol de Micaela. Todos ellos enlazados por el Destino.

Esta reposición tendrá una sola Carmen en la piel de Nadia Muzyca. Y dos Don José: Juan Pablo Ledo en las primeras dos funciones y Edgardo Trabalón en las dos siguientes. "Me resulta muy interesante compartir mi Carmen con estos Don José diferentes - expresa Nadia Muzyca-. Ambos tienen mucho temperamento, cada uno con su energía. Yo me siento comodísima con los dos, más allá de que los quiero y son mis amigos".

Así, los primeros bailarines Nadia Muzyca y Edgardo Trabalón vuelven a encontrarse con esta pasional versión de Wainrot un año y medio después. En ese tiempo, Trabalón recibió el Premio María Ruanova 2013, que otorga el Consejo Argentino de la Danza. Por su parte, Muzyca siente que la experiencia de ser madre de Valentino le dio más herramientas para interpretar a esta mujer que hace lo que le dicta el corazón.

Los dos están muy agradecidos con Wainrot por la libertad que les dio para explorar cada personaje en una dimensión más realista, menos idealizada. Disfrutaron de poder aprender la coreografía desde la voz de su creador, sin intermediarios. Y también valoran el lugar que la puesta le destina a cada género: "Me gusta que el rol femenino tenga peso en la escena -señala Muzyca-. Me fascina hacer Carmen porque es un personaje muy terrenal". En cuando a los roles masculinos, Trabalón remarca lo interesante que le resulta esta versión "por todo lo que tienen para bailar los varones. Tienen partes grupales muy fuertes de gitanos o soldados, con una energía muy masculina".

La versión del coreógrafo y actual director del Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín tiene muchos más dúos que la original y en el caso del rol del partenaire tiene algunos desafíos físicos más complejos. "No son levantadas convencionales, hay una que estoy de rodillas, por ejemplo", advierte Trabalón.

"Y tiene mucho compromiso emocional, quedamos extenuados -agrega Muzyca-. Mi abuela se quejó: «¿Otra vez vas a morirte?». Me encantan los dramas porque tienen mucho para explorar como intérprete. No es lo mismo tirarse aleteando desde una roca, que extinguirse en la tuberculosis o ser víctima de un asesinato."

El vestuario respeta el diseño original de Carlos Gallardo y ronda el imaginario de lo gitano, sobre todo en los roles femeninos. La escenografía, también de su autoría, remite a una plaza de toros que se complementa con elementos multimedia proyectados en altura.

La combinación de compositores elaborada por el propio Gorelik incluye a Georges Bizet, Isaac Albéniz y Joaquín Turina. "He bailado otras versiones de Carmen y noto diferencias sutiles en la música -asegura Trabalón-. Por ejemplo, cuando Don José encuentra a Carmen con Escamillo, la música tiene un color más árabe. Bizet es más sanguíneo, acá el dramatismo llega desde otro lado."

En un código más cercano al lenguaje cinematográfico, la obra incluye algunos momentos oníricos. Y empieza con una premonición que luego se va cumpliendo en un acto único de 80 minutos.

Es una pena que solamente sean cuatro funciones. Es factible que todos nos quedemos con gusto a poco.

Nota publicada el 29-06-13

http://www.lanacion.com.ar/1596464-llega-una-carmen-mas-realista-menos-idealizada

El comentario en la radio, el viernes 05-07-13


viernes, 21 de junio de 2013

"... las más lindas piernas que vi"


Un humilde homenaje a Cyd Charisse en Radio de la Ciudad (21-06-13)



Adentro de la película "Cantando bajo la lluvia", hay otra ficción completa llamada "Broadway Melody" desarrollada en varios cuadros musicales. Ante la imposibilidad de compartir la secuencia entera, aquí van los dos cuadros de los que estábamos hablando.

Aquí, la escena del cabaret:



Aquí el fragmento romántico:

Todos los cuerpos pueden bailar

Soledad Buss, bailarina de Castadiva, en el Festival RojasDanza

Columna en radio de la ciudad 21-06-13


martes, 18 de junio de 2013

Volar en otros cielos

Con casi veinte años bailando por los aires, la Compañía de Danza Aérea de Brenda Angiel empieza hoy una gira por los Estados Unidos que se extenderá hasta fines de julio.

Comenzarán con diez funciones del espectáculo de tango aéreo 8cho , en el Arsch Center for the Performing Arts, de la ciudad de Miami. Estarán acompañados por un septeto dirigido por Juan Pablo Arcangeli y Martín Ghersa y por la voz de Alejandro Guyot, 8cho hace un aporte renovador a los espectáculos de tango de la Argentina: mantienen la esencia de milongas, tangos y valsecitos, pero superan las posibilidades del piso como única superficie donde "sacar viruta".

El 5 de julio continuarán la gira en Carolina del Norte, con tres funciones de Condición Aérea en el marco del American Dance Festival, un evento de danza contemporánea con 80 años de historia.

La Compañía de Brenda Angiel ha sobrevolado muchos teatros en el mundo, llegando -por ahora lo más lejos- hasta China. Pero este 2013 muchos proyectos los han llevado a los Estados Unidos.

Dos meses atrás estuvieron realizando funciones en un parque de atracciones de Missouri. Y a mediados de septiembre se instalarán durante un mes en Nueva York. Allí producirán un espectáculo junto a la compañía del coreógrafo contemporáneo Doug Varone. El resultado de ese trabajo verá la luz en el Festival Next Wave, de la Academia de Música de Brooklyn.

"Cuando Doug Varone estuvo en Buenos Aires vino con su compañía a hacer una clínica de danza aérea en mi escuela -explica Brenda Angiel -. Ahí surgió el proyecto de hacer algo en conjunto."

Ambos coreógrafos se plantearon producir un espectáculo sumando todos los intérpretes de sus compañías. El programa que se presentará en el Festival se completará con fragmentos de 8ch o y una obra propia de Varone. Esa producción conjunta en principio sólo tendrá 5 funciones, pero Angiel no oculta su ilusión de poder mostrarla también en Buenos Aires.

El desafío no es solamente producir con dos cabezas diferentes, sino también desde lugares tan lejanos. Es por eso que tienen planificados algunos viajes para ir viendo borradores y no descartan encontrar algún giro tecnológico, que les permita enlazar ambas salas de ensayo a través de un sistema de video llamadas por Internet.


Nota publicada en La Nación el 18/06/13
http://www.lanacion.com.ar/1593014-volar-en-otros-cielos-con-el-ritmo-del-tango

Vuelo bajo


Orquideana está inspirada en textos de Marosa di Giorgio, una poeta uruguaya considerada por muchos intelectuales como la representante femenina del neobarroco literario.

Pero no se trata de una inspiración lejana que remite a otra producción que fuera consumida por el creador para hacer una pieza nueva: la banda de sonido de Orquideana se compone de algunos momentos de sonidos, naturales y electrónicos, y muchos momentos con una voz femenina que recita sin emoción fragmentos de textos de Marosa di Giorgio. Una voz que describe de un modo casi literal lo que vemos en escena: cuerpos enmarañados, que "casi vuelan", con los brazos caídos, con los vestidos caídos, "como si nunca me hubiera pasado nada. Como si nunca hubiese bajado del cielo", dice un fragmento de "La flor de Lis", uno de los textos de Di Giorgio, que Mabel Dai Chee Chang revisita en esta puesta.

El neobarroco pone al cuerpo en el centro de la escena. Y Mabel Dai Chee Chang retoma con convicción esa bandera, que también levantaron en su momento Alejandra Pizarnik, Batato Barea y Leónidas Lamborghini. Aquí la desnudez, el lenguaje sin metáforas y el placer de nombrar al placer son inquebrantables. Pero esta búsqueda del impacto visual y auditivo es tan permanente y desganada a la vez, que deja de surtir efecto, para sólo dejar paso a la abulia.

Hay una búsqueda deliberada de la indiferenciación de las intérpretes: el vestuario y el peinado son exactamente iguales. Pero además abusan de las posiciones invertidas y aletargadas, sin alejarse demasiado del suelo. Así es como el prometido "montaje de aéreos" se reduce a esa languidez de estar colgadas, la mayor parte del tiempo cabeza abajo, con el pelo enmarañado -como la escenografía-. Apenas si suceden unos momentos de hamaca como "un vaivén desesperanzado" advierte la gacetilla de prensa.

Los seguidores incondicionales de Marosa di Giorgio disfrutarán de este momento tan devocional como melancólico.

Nada más literal se ha puesto en escena..

Nota publicada en La Nación el 18/06/13
http://www.lanacion.com.ar/1593013-literal-homenaje-a-la-poetica-de-marosa-di-giorgio

martes, 11 de junio de 2013

Un festival sin hermetismos


Hoy comienza la tercera edición del Festival RojasDanza 2013. El coreógrafo Alejandro Cervera, a cargo de la coordinación Área de Danza del Centro Cultural Ricardo Rojas, es quien seleccionó los diez espectáculos que podrán disfrutarse desde hoy y hasta el 29 de este mes en todas las salas del centro (Corrientes 2038). "El armado del festival lleva más o menos un año. A mí me van llegando propuestas y también hay gente que voy siguiendo: coreógrafos «archiconocidos» y gente nueva de la que vi un trabajo que me interesó y a la que creo que hay que apoyar", subraya Cervera.

Es un menú que combina estrenos y reposiciones. "A mí me encanta comisionar obras. Es el caso del Stabat Mater, de Damián Malvacio, que se presentará con orquesta y cantantes en vivo. O el de la propuesta de Fabricio Coppo, un bailarín del Teatro Colón que también es coreógrafo y me pareció interesante pedirle una obra: trajo un dúo entre dos varones", explica.

Los festivales de danza contemporánea suelen reflejar las tendencias estéticas que conviven en un tiempo determinado. "Las producciones siguen siendo de una gran intimidad, en general. Y hay un lento regreso hacia el movimiento en sí, dejando atrás la palabra hablada y la fascinación tecnológica", advierte Cervera.

El tango parece haber dejado el centro de la escena y surgen nuevas búsquedas más cercanas al lenguaje del folklore, como Basto con encimera, de Soledad Gutiérrez, y La intrusa, de Víctor González, donde Jorge Luis Borges puede ser bailado.

Esta edición del festival también celebra la continuidad de las compañías del IUNA y la Universidad de San Martín y el grupo de Mónica Fracchia, CASTADIVA, que festeja sus primeros 15 años revisitando su repertorio.

Con una entrada general de veinte pesos y unos cuarenta minutos de duración en promedio, las diez obras seleccionadas se presentan entre dos y seis veces y nunca suceden en simultáneo, para que el público no se sienta tironeado entre dos ofertas.

Si bien la danza suele tener un público propio, la propuesta del festival armoniza con los habitués del Rojas: mayores de 18 años acostumbrados a ideas poco tradicionales. Lo más lejano en kilómetros llega desde Cuyo, con Lo que el amor revela, del Ballet Contemporáneo Ciudad de Mendoza. Lo más cercano es una performance de los alumnos del Rojas en el espacio del bar del Centro Cultural.

En esta edición puede notarse que la música fue el cimiento de las coreografías. Se suman a las muchas producciones con música original, otras que encuentran nuevos sentidos para Mozart, Beethoven o Caetano Veloso.

"En algunas de las obras hay un regreso al relato. Y en otras hay una danza de emociones. Es una danza que la gente puede disfrutar, sin hermetismos -señala Alejandro Cervera-. A mí me interesa la danza cuando hay secretos compartidos entre los intérpretes y los espectadores. Me interesa la danza como un hecho público."

ALGUNOS IMPERDIBLES

La Compañía de danza del IUNA presenta A L I E N T O, con coreografía de Gustavo Lesgart (se presentará el jueves 27 y el viernes 28, a las 22.30). Además, el Ballet de la Universidad de San Martín, dirigido por Oscar Araiz, ofrecerá un programa compartido con Sonidos Negros y Noche de Ronda donde conviven Gershwin, Piazzolla y los boleros de Elvira Ríos (este viernes y sábado, y el 19 y 22 de este mes, a las 21). La programación completa puede consultarse en www.rojas.uba.ar

Nota publicada en La Nación el 11-06-13
http://www.lanacion.com.ar/1590649-secretos-compartidos-en-el-rojasdanza